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Gustav Klimt – oro e sensualità

29. 7. 2021 | Arte-fatti

La maggior parte di noi conosce Gustav Klimt come l’artista che dipinse Il bacio, quel capolavoro del 1907 in cui due figure si fondono l’una nell’altra in un abbraccio affamato.

I loro corpi legati insieme nella stessa stoffa: un luccicante arazzo d’oro il cui motivo fa riferimento sia all’intimità che all’anatomia. Il lato che copre l’uomo è decorato con rettangoli eretti, mentre quello della donna è fasciato con cerchi concentrici.

Il pittore simbolista austriaco, uno dei membri più importanti del movimento della Secessione viennese, era molto apprezzato per i suoi dipinti, murales, schizzi e altri capolavori d’arte.

Il suo soggetto principale era il corpo femminile e le sue opere sono note per il loro sfacciato erotismo. Sebbene il suo spirito ribelle abbia spesso attirato critiche, ha perseguito la propria visione artistica e ha goduto di successo creativo e finanziario nella sua carriera fino alla sua morte all’età di 56, anni nel 1918, poco dopo aver avuto un ictus e una polmonite.


LE RADICI DI KLIMT

Nacque nel 1862 a Baumgarten, in Austria, non lontano da Vienna. Suo padre era un incisore d’oro e d’argento; come molti dei suoi sette fratelli, Klimt ha seguito le orme di suo padre. All’età di 14 anni si è iscritto alla Scuola di Arti Applicate di Vienna, dove ha studiato una vasta gamma di materie, tra cui pittura ad affresco e mosaico.

Era uno studente devoto e trascorreva ore nei musei di Vienna studiando vasi antichi e altri tesori, e copiando dipinti di pregio come Isabella d’Este (1534-36) di Tiziano. Lui e suo fratello, Ernst, mostrarono anche i primi istinti imprenditoriali. Vendevano ritratti dipinti da fotografie e realizzavano disegni tecnici per uno specialista in medicina. Questi progetti hanno contribuito allo sviluppo della padronanza di Klimt dell’anatomia del corpo umano.

Nel 1890, Klimt si unì all’Associazione degli artisti di Vienna, un gruppo tradizionale, che sovrintendeva alla maggior parte delle mostre della città. Solo un anno dopo, tuttavia, tutto cambiò quando sia il padre di Klimt che Ernst morirono, la responsabilità di entrambe le loro famiglie cadde sull’artista mentre combatteva con un intenso dolore. Si specula che propro a causa di questo evento che poco dopo abbandonò il classicismo a favore di un’estetica più personale, con sfumature simboliste e ornamentali Art Nouveau.


DIPINTI ECCENTRICI MA UNA PERSONALITÀ UMILE



Un uomo stimolante e modesto, la personalità di Klimt non potrebbe essere più diversa nel carattere rispetto alla vivacità e al soggetto sessuale dei suoi dipinti. Non ha mai dipinto un autoritratto ed era noto per un vestiario modesto, una lunga veste semplice e sandali senza indumenti intimi, lavorando instancabilmente sui suoi pezzi che richiedevano da lui tempo e pazienza.

Ritratto di Klimt.

“Non ho il dono né della parola né della parola scritta, specialmente se devo dire qualcosa su me stesso o sul mio lavoro. Chi vuole sapere qualcosa su di me, come artista, dovrebbe guardare con attenzione i miei quadri e cercare di vedere in essi ciò che sono e ciò che voglio fare”.


A Klimt non piaceva parlare né della sua vita personale né del suo lavoro. “Sono convinto di non essere particolarmente interessante come persona. Non c’è niente di speciale in me”, ha detto una volta. “Sono un pittore che dipinge giorno dopo giorno dalla mattina alla sera.” Ma i dettagli che ha lasciato dietro raccontano una storia diversa. Klimt era un artista che studiò con passione il suo mestiere e si ribellò audacemente contro l’establishment.

Klimt e Emilie.

Sebbene Klimt non si sia mai sposato, secondo quanto riferito era piuttosto promiscuo e generò 14 figli.

La sua amicizia più duratura e intima è stata con sua cognata Emilie Flöge, la talentuosa proprietaria di un salone di moda viennese.

Non è confermato se il loro rapporto fosse fisico o meno, ma è stato sicuramente molto tenero; è apparsa in molte delle sue opere e si dice che le ultime parole pronunciate da Klimt prima di morire siano state “Fai chiamare Emilie”. Durante l’ultima parte della sua vita l’artista trascorse ogni estate con Flöge e la sua famiglia ad Attersee, un lago nella regione austriaca del Salzkammergut, dove dipinse una serie di paesaggi gloriosamente evocativi – l’unico altro genere che lo interessava oltre alle opere figurative.

Klimt e Katze.

Klimt amava i gatti e ne aveva circa 8 che correvano liberamente per casa sua.

Ne possedeva anche uno, che chiamò Katze (in tedesco: gatto).



LA SECESSIONE DI VIENNA

In un certo senso, Vienna era una città intensamente bohémien durante la vita di Klimt, piena di decadenza e sperimentazione artistica. Ma il governo della città e l’establishment artistico tradizionale si sono scagliati contro questo movimento culturale d’avanguardia, che è stato spinto da giovani artisti e intellettuali tra cui Klimt, l’architetto Otto Wagner, i compositori Gustav Mahler e Arnold Schönberg e lo psicanalista Sigmund Freud.

Secessione vienesse con Klimt.
La secessione viennese.

Fu in questo ambiente paradossale, che contrapponeva la repressione vittoriana alla libertà di espressione, che Klimt divenne maggiorenne. Presto iniziò a incanalare le sue riflessioni sul desiderio, sui sogni e sulla mortalità attraverso dipinti lussureggianti e carichi di simboli.

Nel 1892 un evento internazionale cambiò il corso della storia dell’arte. Quando i dipinti di Edvard Munch furono esposti a Berlino, generarono così aspre polemiche che un certo numero di radicali ruppero dall’Unione degli artisti di Berlino e formarono la Secessione di Berlino. Questa associazione si diffuse rapidamente anche in Austria.

Nel 1897, Klimt e alcuni dei suoi più avventurosi amici artisti e designer ruppero dall’Associazione degli artisti di Vienna, un’associazione più tradizionale di pittori, per formare un gruppo radicale chiamato Secessione viennese (dal nome di un antico termine romano che significa “rivolta contro il potere del governo”).

La donna nuda con lo specchio per la copertina di Ver Sacrum.

Klimt divenne il presidente del gruppo e il suo spirito guida.

Un disegno che ha realizzato per il primo numero della rivista del movimento, Ver Sacrum, mostra una donna nuda che regge uno specchio al pubblico, “come per invitare una nuova ispirazione, un nuovo inizio”, scrive la storica dott.ssa Julia Kelly.


QUELLO CHE DEVI SAPERE SULLA SUA ARTE

Possiamo facilmente riconoscere un dipinto di Gustav Klimt tra mille opere d’arte esposte in un museo. Tuttavia, quando esploriamo le profondità della storia dell’arte, scopriamo che le origini dello stile inimitabile di Klimt deriva da altre vene artistiche, tra cui l’arte egiziana, minoica, greca e bizantina, l’Art Nouveau, l’impressionismo di Monet, le incisioni di Albrecht Dürer, pittura europea tardo medievale e scuola giapponese di Rimpa.

Le figure spesso usate da Klimt.

Ha incorporato allusioni alla sessualità e alla psiche umana nelle figure e nei modelli riccamente decorati, che popolavano le sue tele, murales e mosaici.


Spesso il messaggio principale – di piacere, liberazione sessuale e sofferenza umana – era sottilmente velato. I suoi pezzi più osé, raffiguranti nudi voluttuosi e pile di corpi intrecciati, scandalizzarono l’establishment viennese.

Comunque anche se scandalo, l’élite della città adorava il suo lavoro e spesso gli commissionava i suoi ritratti. I suoi colleghi artisti erano ugualmente affascinati dal suo stile, riconoscendo l’innovativa iniezione di sessualità, atmosfera ed espressione di Klimt nella pittura figurativa.

Quando Auguste Rodin visitò il famoso Fregio di Beethoven (1902) di Klimt, parte della 14a mostra della Secessione viennese, lodò il pezzo come “così tragico e così divino”.

Mlajša generacija evropskih ekspresionistov, vključno z Egonom Schielejem, je Klimta oboževala in ga sprejela kot svojega junaka.


SICURAMENTE CONOSCI LA SUA FASE D’ORO

Tuttavia, è maggiormente noto per la collezione di opere scintillanti e dorate che ha prodotto durante la sua fase d’oro.

Klimt viaggiò raramente, comunque ha visitato Venezia e Ravenna, entrambe famose per i loro scintillanti mosaici bizantini punteggiati d’oro. Questi fecero una marcata impressione su Klimt e furono probabilmente l’ispirazione principale della sua “Fase d’oro” – un periodo di immenso successo critico e finanziario per il pittore.

Questo periodo luminoso è durato circa un decennio, eppure è arrivato a caratterizzare lo stile di Klimt e ha portato ad alcuni dei dipinti più noti e preziosi dell’arte moderna.

Dipinto Pallade Atena.

Pallade Atena è spesso considerata il primo pezzo della Fase d’oro di Klimt.

Completato nel 1898, questo dipinto ad olio raffigura la dea greca Atena vestita in armatura e in una posa di sfida.

Anche se questo pezzo presenta ancora l’influenza classica possiamo già notare il suo nuovo uso audace dell’oro e la presenza ampia di vari simboli.

Giudita I dipinto.

Un altro primo esempio di questo periodo è di Giuditta I.

Come molti dei suoi pezzi successivi, questo dipinto presenta un ritratto di donna (in questo caso, Giuditta, una figura biblica famosa per aver ucciso Oloferne, un invasore), circondata da motivi decorativi, e uno sfondo dorato.

Allo stesso modo, Klimt adorna anche la figura femminile con sfumature erotiche, un approccio che sarebbe diventato intrinseco alla sua pratica durante questo periodo.


Nel 1902, Klimt approfondisce la sua fase d’oro con il Fregio di Beethoven. Esso presenta i piani opulenti, i motivi e le figure mistiche e gli accenti ornamentali che hanno finito per caratterizzare i dipinti dorati di Klimt.

Fregio di Beethoven.

Questo ciclo murario lungo 112 piedi è stato creato per la 14a mostra secessionista di Vienna. Rende omaggio al compositore e pianista tedesco Ludwig van Beethoven offrendo un’interpretazione visiva della sua nona sinfonia.



La fase d’oro di Klimt ha raggiunto la piena fruizione con tre opere chiave: Ritratto di Adele Bloch-Bauer I, Il fregio di Stoclet e Il bacio.

Come pittore di successo e figura di spicco nella scena artistica contemporanea di Vienna, Klimt è stato spesso incaricato di dipingere ritratti di donne dell’alta borghesia nella capitale.

Il ritratto di Adele Bloch-Bauer.

La più nota di queste raffigurazioni è il Ritratto di Adele Bloch-Bauer I (1907), un’opera che raffigura la moglie di un ricco banchiere ebreo.

L’uso audace dell’oro gli conferisce una sensazione eterea che ricorda un mosaico bizantino.


Tra il 1905 e il 1911, Klimt creò lo Stoclet Frieze, una serie di tre stravaganti mosaici commissionati per la sala da pranzo della Stoclet House a Bruxelles. Il punto focale dell’intero set è l’Albero della Vita, una rappresentazione stilizzata di un albero con rami vorticosi e spiraliformi, intricati motivi e motivi simbolici ispirati all’arte antica. L’albero è completato da figure, tra cui un’elegante ballerina e una coppia che ha una sorprendente somiglianza con gli amanti presenti nel dipinto Il bacio. Klimt ha adornato la scena con accenti dorati.

Stoclet Frieze.
Serie di mosaici Stoclet Frieze.
Il bacio di Klimt.

Probabilmente l’opera più famosa di Klimt, Il bacio è stata completata nel 1908.

Ritrae un uomo e una donna mentre si abbracciano pacificamente in una macchia di fiori scintillanti. Rivestiti con motivi contrastanti e composti prevalentemente da forme dorate.



ULTIMI ANNI DI CREAZIONE

Intorno al 1911, Klimt smise di decorare le sue tele con la foglie d’oro.

Iniziò a incorporare intricati piani di colore caleidoscopico nelle sue composizioni, culminando in disegni che ricordano arazzi intrecciati o decorazioni a intarsio.

Klimt lavorò in questo stile fino alla sua morte nel 1918. Mentre queste opere rimangono una parte celebrata del suo portfolio (Morte e Vita ricevettero il primo premio all’Esposizione Internazionale d’Arte di Roma del 1911), sono i pezzi scintillanti del suo Periodo d’Oro che sembrano più di tutti distinguersi dal resto.

Il dipinto Vita e morte.
Vita e morte.


KLIMT CONTINUA A VIVERE

Il lavoro di Klimt ci affascina ancora oggi. I musei vendono più riproduzioni dei dipinti di Klimt rispetto a quelli di qualsiasi altro artista.

Nel 2015, utilizzando modelli dal vivo, elaborati oggetti di scena e molto oro, la fotografa austriaca Inge Prader ha reso omaggio al suo connazionale, Gustav Klimt, con incredibili riproduzioni fotografiche dei suoi famosi dipinti. La serie è stata girata come parte del Life Ball, un evento annuale a Vienna che raccoglie fondi per l’HIV/AIDS.

Dipinto Danae.
Riproduzione del dipinto Danae.
Vita e morte dipinto.
Riproduzione del dipinto Vita e morte.

Nel 2018 Atelier des Lumières, l’ultima mostra digitale di Culturespaces, ha presentato una spettacolare selezione di opere d’arte di Klimt. L’esclusiva installazione permanente ha trasformato una fonderia di ferro vuota in un’esperienza dei sensi.

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